Gustav BOLIN Sa Vie : peintre suédois à Paris

Gustav Bolin est confronté pour la première fois avec le cadre du musée. Et quel musée ! Un des plus difficiles à animer du Paris.
Longtemps il a eu sa galerie, il a vécu sous contrat, jusqu’à ce qu’il préfère la liberté, une liberté qui lui vaut peut-être aujourd’hui cet honneur.
Pour son entrée au musée, il a repoussé la tentation d’une véritable rétrospective. Ce qu’il veut montrer au terme de cette année 1973, c’est ce qui fait sa raison de vivre, ce à quoi il consacre tous ses efforts et son temps depuis quelques années : ses œuvres récentes, une nouvelle période de sa peinture.
Que ceux qui le connaissent depuis quelques décennies ne s’effraient pas. Ils reconnaîtront sous le nouveau style le Bolin qu’ils ont toujours connu : la sensibilité et l’harmonie des accords mais en plus exaltées et en plus affirmée la précision élégante et nerveuse du dessin.

C’est sur le point capital de la représentation que Bolin a choisi définitivement sa liberté. Il a atteint le seuil de la peinture pure, dégagé de toute reference aux objets, les formes signifiantes s’imposant à lui d’emblée, sans modèle, c’est-à-dire sans prétexte, mais s’inscrivant toujours en des couleurs qui expriment l’espace et la lumière.

Quand on a 52 ans, et que l’on peint depuis 35 ans, que l’on est connu et apprécié des amateurs depuis plus de 20 ans, on a le droit de tout se permettre et on le peut parce que la peinture est devenue pour vous un second langage, et qu’au-delà de toutes les audaces, la peinture conserve ses règles et que lignes et couleurs s’organisent toujours en un certain ordre.

Ce passage déterminant pour l’artiste, le public parisien aurait pu le suivre depuis ses débuts. Mais Gustav Bolin est un artiste discret, plus, secret, beaucoup trop pour sa renommée. A l’exception d’envois réguliers à quelques salons parisiens, ce qu’il expose au musée Galliera est totalement inédit. Lui-même est un des hommes les plus silencieux que j’ai rencontrés.

Un homme qui mérité d’être “situé” en quelques lignes. Durant des années, il y a de cela bientôt vingt ans, nous avons déjeuné côte à côte dans un petit restaurant de Montparnasse. Souvent nous avons bavardé. Il fallut par hasard pour que je découvre que le grand maigre taciturne de Montparnasse et le somptueux coloriste qui exposait régulièrement avenue Matignon ne formaient qu’un seul homme.

Bolin continue à mener une vie ascétique sans excès, tôt levé et de bonne heure au travail dans son atelier de la rue du Moulin –Vert où il eut de longues années pour voisin et ami le merveilleux Giacometti.

Depuis son exposition chez Pierre Loeb en 1948, j’ai suivi avec attention le travail de Bolin, mais je n’ai eu que rarement l’occasion d’écrire sur lui. C’est à dire qu’il me semble aujourd’hui réparer une lacune indépendante de ma volonté. Bolin a eu la chance de trouver des défenseurs passionnés parmi les critiques d’art parisiens. En premier lieu, il y eut Pierre Courthion qui n’a cessé de l’encourager. Par ailleurs, dans l’hebdomadaire aujourd’hui disparu et où j’ai travaillé pendant vingt ans, Bolin avait trouvé un “supporter” enthousiaste en Georges Besson. Besson se réjouissait de voir un “jeune” (lui même était alors septuagénaire) qui faisait une peinture résolument moderne sans rompre avec la figuration. L’attitude courageuse de Bolin lui rappelait le combat de ses amis Renoir, Marquet et autres. Et Georges Besson se réservait, en tant que doyen, le privilège de choisir le sujet de ses chroniques. Il ne serait assurément pas déçu aujourd’hui par l’évolution de Bolin, car il savait toujours voir au-delà des apparences et portait très haut dans son estime un peintre comme Estève avec lequel Bolin a certaines affinités.

Ce récent “passage”, décisif pour Bolin, est à mes yeux une évolution logique.

Pour expliquer ce qui est de nouveau, il faut parler de ce qui l’a précédé, et replacer Bolin dans le contexte des années cinquante, au moment de la cristallisation de son style, moment qui a coïncidé avec le grand essor de l’abstraction lyrique en France.

Dans les salons vivants, salon de Mai, salon des Réalités nouvelles, deux grands courants se rejoignaient curieusement comme tous les amateurs ont souvent eu l’occasion de le constater. D’une part, les uns, lassés de la discipline stérilisante de la géométrie, commencèrent à insuffler une nouvelle vie à un art résolument abstrait en s’abandonnant à une liberté de plus en plus grande, à des impulsions venues de plus profond de leur être. Cette libération s’appela tour à tour « tachisme », « informel », « abstraction lyrique » et produisit des paysages mentaux, fort proches de certains paysages dramatiquement réels. D’autre part, un certain nombre d’artistes amoureux de la nature se libéraient progressivement des servitudes de la figuration pour rendre au paysage ce qui fut toujours sa vertu au cours des siècles : être le support d’un état d’âme. Il n’y a pas de contradiction entre le romantisme de Lamartine et le lyrisme de Bazaine.

Gustav Bolin se tient à l’écart de ces abandons aux orages et aux tempêtes de l’âme. Par tempérament, il est porté à l’intériorisation et à un contrôle constant de ses impulsions ; et ceci aussi bien dans les toiles plus figuratives d’hier, qu’aujourd’hui dans la plasticité intégrale.

Depuis ses premiers dessins des années quarante qui avaient retenu l’attention de Paul Valéry puis celle de Pierre Loeb, Bolin a abordé, traité et développé un certain nombre de thèmes. Il y eut les « Figuiers », les « Rochers », que ce soit ceux de Saint-Rémy-de-Provence ou d’ailleurs, il y eut des « Mers », houleuses ou calmes, il y eut aussi des nus, traités comme des paysages.

Je dis bien « thèmes » et non sujets. Gustav Bolin le fait justement remarquer lui-même. Dans un des tableaux les plus célèbres de Poussin, il y a deux notions différentes : il y a « l’Enlèvement de Sabines » qui est le sujet ; au-delà, il y a le thème qui est celui de la poursuite. Bolin n’a jamais sacrifié au sujet sans que celui-ci ne soit signifié par un thème.

Ce qui frappe quand on feuillette les albums où il a réuni les photos de ses œuvres des années cinquante et soixante, ce sont les constantes qui dominent les variations des titres. Les figuiers, les roches et les mers sont emprisonnés dans le même réseau de lignes qui constituent la trame de son œuvre, le rythme de la sensibilité. A-t-il choisi ces thèmes pour des correspondances secrètes ? Les a-t-il contraints à coïncider avec sa sensibilité ? Peu importe ! A travers la variations et les fluctuation s de son œuvre, c’est toujours Bolin que nous trouvons. Ainsi pourquoi ne pas renoncer à ce détour pour n’affirmer que ce qui est essentiel et signifiant ?
Le thème de la peinture de Bolin se resserre sur lui-même. Nous voici incités à nous pencher indiscrètement sur les cheminements de sa pensée, sur les mouvements de sa sensibilité. Rarement un artiste poussa aussi moins ce dualisme intérieur qui est à l’origine de tout art, ce combat entre la volonté d’extériorisation et l’instinct de repli sur soi, cette lutte qui devient symbolique lorsqu’elle illustre l’affrontement du bien et du mal. Mais ni le bien ni le mal n’existent chez Bolin, tout y est positif. C’est l’interrogation d’un homme qui tente de se mieux connaître pour mieux communiquer ses émotions à ses semblables. Tantôt la forme se déploie, la couleur éclate, il trouve l’harmonie avec le monde. Tantôt il nous entraîne dans un univers d’obsession où les lignes se nouent, où le dessin se live sur lui même.

La spirale s’ouvre ou se ferme selon le sens dans lequel elle a été tracée. Le cercle est-il une forme d’expansion ou en rétraction ? Les dominantes froides, vertes ou bleues, donnent plus d’espace au tableau, les chaudes sont plus dures, cernent la forme et apportent une densité inquiétante à la surface peinte.

Par sa culture, Bolin tend à une peinture ouverte. Mais son tempérament de Nordique dont les ancêtres ont connu les hivers interminables l’oblige à y intégrer une vite intérieure intense qui tend à se fermer sur elle même. Son œuvre est le récit de ce combat dont il sort victorieux.

Georges BOUDAILLE
Préface catalogue exposition Musée Galliera Paris Décembre 1973 – Janvier 1974

Georges Boudaille (1925 -1991) était un journaliste et un critique d’art français.
De 1958 à 1972 il a dirigé la section « arts plastiques » de la revue Les Lettres Françaises dirigée par Louis Aragon. Il a joué un rôle important auprès de l'architecte Jean Nouvel qu'il a conseillé et orienté, tout comme les jeunes artistes du mouvement Supports/Surfaces.
Georges Boudaille a également été Président de la section française de l’Association internationale des critiques d'art de 1969 à 1974.
À partir de 1971, il est nommé délégué général à la Biennale de Paris.
Il est aussi l'auteur d'un grand nombre d'ouvrages sur les peintres, l'architecture, la peinture et l'art en général.